HISTORIA DE HOLLYWOOD

Amado y odiado por muchos, es indiscutida mente la meca del cine mundial, del cine de entretenimiento por supuesto, donde el cine es una súper industria. Sin embargo, y a pesar de su popularidad en todo el globo, muy pocos conocen sus verdaderos orígenes, desde las épocas en que filmar en Hollywood era una aventura y un experimento, hasta la llegada de Wall Street y su definitiva transformación en una monstruosa factoría de películas. Esta recorrida abarcará desde los inicios y hasta la revolución del cine sonoro, en los años 30.

A comienzos del siglo 19 los franceses crearon el daguerrotipo, un dispositivo que permitía fijar imágenes sobre una superficie, siendo este el inicio de la fotografía. Luego en 1872 un inglés llamado Muybridge fue contratado por Leland Stanford, un industrial de California, para realizar fotos de un caballo galopando. Muybridge logró su objetivo luego de 5 años de trabajo, usando 50 cámaras a lo lardo del recorrido del animal. El resultado fue una sucesión de imágenes que en resumidas cuentas se transformó en el inicio del cine.

Tiempo después, en los laboratorios de Thomas Alva Edison, se logró crear una sustancia sensible a la luz capaz de captar imágenes sucesivas como las del caballo pero con una única cámara, el descubrimiento fue obra de un inglés, William Kennedy Laurie Dickson, quien creó el kinetógrafo, primera cámara de cine. También instalaron el primer estudio cinematográfico conocido como "Black María" que consistía en una pequeña habitación con un techo móvil que permitía usar la luz solar dentro del lugar.

La película, el celuloide (nitrato de celulosa) fue inventado en 1869 por George Eastman (creador de la Kodak) y comenzó a aplicarse en 1885. Eastman concedió a Edison el uso exclusivo del celuloide perforado. Cinco años después se rueda el primer film "El estornudo de Fred Ott", mecánico del equipo de Edison y por ende primer estrella de cine de la historia. Dos paradojas, por un lado Edison estaba obsesionado con grabar sonido más que con grabar imágenes, sin embargo él era sordo, por otro lado sólo registró el kinetógrafo solo en EEUU y no en el extranjero. Como consecuencia de esto último, 2 años después los hermanos Lumiere adaptaron el invento de Edison y lo patentaron como propio. Y la famosa función en 1895 en el número 14 del boulevard des Capulines, el Grand Café de París.

Mientras tanto Edison se ocupó de construir mejores equipos y accesorios, registró varias patentes e intentó, en definitiva crear un monopolio de los aparatos usados para filmar y proyectar cine. Acto seguido se formó un nuevo grupo de empresarios norteamericanos, estos pioneros de la segunda etapa ocuparon un rincón oscuro en la historia. En 1912 el cine fue incorporado a la legislación del copyright, antes a esto, se inscribieron 17 productoras entre ellas las de: Edison, American Mutoscope & Biograph, Eclair, Lubin, Selig, Vitagraph y Worlds. (Recordemos que antiguamente los films no tenían derecho de propiedad sino que había que registrar fotograma por fotograma, lo cual hacía casi imposible la tarea, también ya existía el plagio entre productoras y se robaban fragmentos de films por eso Pathé decidió incluir el logo del gallo en determinados fragmentos de sus producciones).

Edison se molestó mucho con la aparición de esta competencia, incluso presentó un pleito judicial contra varias de ellas, invocando las patentes de sus equipos y el monopolio de utilización de las películas de Eastman. Pero de aquí en adelante el cine dejó de ser un monopolio, permitiendo ser producido por quienes desearan correr los riesgos de realizar una película, como sucede hoy en día.

Los cambios fueron rápidos y vertiginosos, los primeros empresarios del cine fueron los dueños de salas teatrales que usaban al cine como complemento de obras de teatro. Se compraban films, se intercambiaban entre salas, y se destruían cuando veían que agotaban cuando su potencial comercial. Pronto descubrirían que lo particular del cine es que, a diferencia de otras industrias, sus productos no se consumen y desaparecen, sino que mágicamente se multiplican con numerosas copias.

Se crearon las empresas de distribución, que compraban películas, los ofrecían luego a las salas e interferían cuando surgían conflictos de intereses entre ellas. Se institucionalizó la cadena PRODUCCIÓN-DISTRIBUCION-EXHIBICION, la proyección se realizaba en salas bautizadas con el nombre "nickelodeon" (esto porque la entrada costaba un níquel o sea 5 centavos de dólar).

El cine se transformó en EEUU en un espectáculo muy popular, apto para las masas, incluyendo gente humilde y analfabeta, se transformó en un medio de fácil acceso para los inmigrantes recién llegados que casi no conocían el idioma, no hablaban ni leían inglés, principalmente eran de Rusia, Hungría y Polonia, luego con el tiempo estos inmigrantes se transformarían en empresarios del cine. La relación entre productores, distribuidores y salas se regía por los principios del capitalismo (oferta-demanda) esto determinaba las películas a exhibir, calidad y cantidad del material, número de salas, precios de compra y alquiler, permanencia en cartel o ciudades de proyección. Es decir, esto poco ha cambiado hasta hoy en día.

El negocio del nickelodeon llegaba a recaudar, nada más y nada menos que un promedio de 14 millones de espectadores por semana. El grupo de Edison decidió asociarse con Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem, George Kleine y las francesas Pathé y Méliés. Juntos formaron la MPPC (Motion Picture Patent Company) a fin de crear un oligopolio de la industria del cine y concentrar las ganancias, cancelaron sus pleitos entre sí, y establecieron un estricto régimen por el cual productores y exhibidores debían pagar derechos por uso de equipos y proyección de films. El caballo de batalla que tenían era la patente exclusiva de celuloide perforado de Eastman-Kodak. La MPPC se transformó en un trust, tenía inspectores por todas las ciudades y recurrían a la policía y a la justicia para hacer valer sus patentes.

A pesar del poder de la MPPC la resistencia no se hizo esperar, el exhibidor Carl Laemmle decidió desafiar al oligopolio/monopolio, trayendo películas de Europa y auspiciando la exhibición de independientes, así nació la IMP (Independent Motion Picture Film Company) que con el tiempo se transformaría en UNIVERSAL PICTURES. Esto hirió de muerte al trust.

La llamada "guerra de patentes" trajo como consecuencia la creación de nuevas empresas que filmarían en una ciudad desconocida llamada Hollywood, lejos de los alcances del MPPC. Así muchos dueños de salas y distribuidores se volcaron hacia la producción de films para poder alimentar sus circuitos comerciales sin la aprobación de Edison y compañía, entre ellos podemos nombrar: Adolph Zukor, William Fox, Louis Mayer, Jesse Lasky, Harry Cohn, Sam Goldfish (Goldwyn) y los hermanos Warner. Seguro que estos nombres les suenan conocidos. Igualmente la cosa no fue fácil ya que entre ellos también hubo infinidad de peleas internas, lo cierto es que dieron origen a empresas como Universal, Fox Films, Metro Goldwyn Mayer, Paramount o Warner Brothers que con el transcurrir de los años serían los protagonistas de la industria. Por otra parte Edison y sus asociados del trust paulatinamente fueron dejando de existir o fueron absorbidas. Veamos algunos de estons nuevos empresarios:

Adolph Zukor: Nacido en Hungría, llegó a EEUU a los 16 años, trabajo en tiendas de pieles y creó luego una galería de atracciones, luego creo sus propias salas de cine, fue uno de los impulsores de films largos (largometrajes). Compró en 35.000 dólares los derechos de un film francés que era un largometraje. También fue el impulsor de la idea "Famous players in Famous plays" (actores famosos en obras famosas) se asoció con Lasky y compraron la productora Paramount. Su plan era producir 52 largos por año, a razón de uno por semana. Sin embargo pronto se transformó en una nueva amenaza de monopolio, por eso algunos distribuidores fundaron el sello First National, la cual creció considerablemente hasta el punto de contratar a Charles Chaplin, First National llegó a controlar 27 circuitos de exhibición con 3400 salas de cine.

Samuel Goldwyn: Polaco de nacimiento. Viajó a EEUU a los 19 años de manera clandestina, trabajó como operario industrial, su nombre real era Schmuel Gelbfisz pero quedó registrado como Goldfish (pez dorado), se casó con Blanche Lasky y se asoció con su cuñado para crear una productora de la mano de Cecil B. DeMille, produjeron "The Squaw Man" que se transformó en el primer film realizado en Hollywood. Lasky luego se asoció con Zukor y se separó de Goldfish quien les vendió sus acciones por 900.000 dólares, y con ese dinero formó una sociedad con los hermanos Selwyn, bautizada como Goldwyn porque utilizaba ambos apellidos. Crearon el logo de un león dentro de un círculo y con la frase en latín: Ars Gratia Artis (el arte por el arte mismo). Goldfish recurrió a la justicia para cambiar su apellido por Goldwyn, hecho que disgustó a los Selwyn, de hecho en 1922 Goldwyn quedó fuera de su propia compañía, siendo desplazado por el financista Frank Godsol, la Goldwyn se asoció entonces con otros grupos y formaron la Metro Goldwyn Mayer. Sam Goldwyn continúo su carrera como independiente hasta su muerte en 1974.

William Fox: Otro nacido en Hungría, llegó con sus padres a EEUU a los 9 meses de vida. Trabajó en la industria textil y con sus ahorros creó una Penny Arcade para exhibir cine. En 1912 entró en conflicto con la MPPC y en cierta forma fue el impulsor del mandato judicial que terminó con el trust. La Fox Film Corporation sobrevivió a duras penas durante el cine mudo, tiempo después el mismo Fox quedó fuera de su propia empresa, que se fucionó en 1935 con otros socios para crear la 20th Century Fox.

Hermanos Warner: Eran 4 hermanos, hijos de un polaco, entre todos compraron un pequeño proyector e iniciaron una gira de exhibición. Luego se dedicaron a la distribución y adquirieron ciertos films para su distribución en California, Nevada y Arizona. En 1918 comenzaron a producir sus propias películas gracias a financiación bancaria. En 1925 se asociaron con Western Electric y crearon "El cantante de jazz" la primer película que incluía diálogos. Hubo tremendas peleas entre los hermanos disputándose el poder entre Hollywood y Nueva York.

La lista de los pioneros de Hollywood incluye también a Carl Laemmle, Harry Cohn, Jesse Lasky, Louis B. Mayer, Marcus Loew, los hermanos Schenck, B.P. Schulberg, Lewis Selznick, Spyros Skouras, Irving Thalberg, Darry F. Zanuck etc. Casi todos inmigrantes de familias judías de Europa, casi todos de origen muy humilde. Fueron protagonistas de asociaciones, noches de poker y placer, fiestas que duraban todo un fin de semana, peleas internas, pero también descubrieron estrellas, impulsaron a jóvenes directores, guionistas y técnicos. Fueron los precursores de la industria dando rienda suelta a sus sueños. Todos estos pioneros debieron tolerar que el público comenzara a venerar a las estrellas que ellos mismos habían creado, dejando en el olvido a los productores.

La creación de Hollywood

Una curiosa vuelta de tuerca producida por la guerra de patentes, dio como resultado la creación de esta ciudad como la meca del cine norteamericano. La historia comienza cuando en 1913 Jesse Lasky y Sam Goldfish habían decidido realizar la producción de películas. Eligieron como proyecto la adaptación de una pieza teatral "The Squaw Man" estrenada en Broadway en 1905, compraron los derechos en 4.000 dólares. Convocaron al actor de teatro Dustin Farnum como protagonista, lograron la colaboración de Cecil B. DeMille, quien hasta ese entonces jamás había visto una cámara. Con 15.000 dólares de capital el rodaje se iniciaría en Nueva Jersey, pero luego cambiaron de plan para evitar a los inspectores del trust que abundaban por la costa este.

Decidieron viajar hacia el oeste, en Flagstaff, Arizona, una pequeña ciudad que había visitado Lasky en unas vacaciones. Viajaron en tren, además de los productores y actores iban DeMille, el cameraman Albert Gandolfi, el supervisor Oscar Apfel y el asistente Fred Kley. Sin embargo no se detuvieron el Flagstaff, el sitio no les gustó y decidieron seguir viaje hasta Los Angeles. Allí alquilaron un granero al campesino Jacob Stern por 75 dólares al mes e instalaron un precario estudio de filiación. El costo de producción aumentó a los 47.000 dólares pero Goldfish consiguió nuevos capitales en Nueva York.

Durante el rodaje DeMille advirtió que el material (celuloide) era muy inflamable por lo que recomendó hacer una copia de seguridad. Con la película terminada tardaron semanas en darse cuenta que las perforaciones del celuloide no eran adecuadas con los proyectores por lo que tuvieron que modificarlas manualmente. Finalmente y con seis cortes en la proyección el film fue estrenado en el teatro Longacre de Broadway, el 17 de febrero de 1914.

A partir de allí comenzó el régimen de doble mando entre 2 ciudades Nueva York y Hollywood, separadas por 3 días de viaje en tren. En Hollywood se radicó la producción con grandes estudios, inversiones inmobiliarias, infraestructura, operarios, sueldos etc. Por otro lado Nueva York era el centro administrativo y financiero de la industria, base de la exportación de la películas, publicidad, o tratos con el gobierno. Nueva York fue siempre la autoridad superior, decidiendo el lanzamiento o producción de determinado film, sino también el veto o aprobación de proyectos o el despido de una estrella o director. Este esquema se mantuvo durante décadas. Aquí también influyó el poder de los bancos en el este, que financiaban parcialmente el cine, vigilaban su inversión examinaban recaudaciones, proyectos de rodaje, ingresos a futuro etc. Uno de los principales bancos en financiar la industria fue el Bank of Italy de los hermanos Giannini.

Los exhibidores comenzaron a tener cada vez más poder, algunos comenzaron a comprar teatros, construir otros y establecer cadenas de salas que cubrían todo el país. Entre ellas el grupo Loew´s de Nueva York propietaria de la mayoría de las acciones de MGM, también estaban las cadenas Stanley de Filadelfia y Washington, Balaban & Katz de Chicago, los hermanos Saxe de Milwaukee, Finkelstein & Runin de Minneapolis, North American de San Francisco y Seattle y West Coast de Los Angeles. Construyeron verdaderos palacios entre ellos el Strand, Rialto, Rivoli, Capitol, Roíz y el Grauman´s Chinese Theater.

El modelo norteamericano de distribución y exhibición fue copiado por Francia, Inglaterra e Italia. En muchos casos invertían capitales norteamericanos en la creación de salas de cine en el extranjero para fomentar el cine de aquel país a modo de embajadores, de hecho es común ver salas con nombre como Paramount, Metro o Roxy. Esta inversión era un camino obvio para asegurarse fechas y plazos de exhibición para las películas norteamericanas en el extranjero. La extensión de la red de salas tuvo una dificultad natural con la llegada del cine sonoro que implicaba equipamiento adicional para cada sala. Tremendas inversiones demandaba tremendas recaudaciones por lo que los exhibidores comenzaron a presionar a los productores. Toda esta estructura no sería rentable con unos pocos films por año. La ampliación de la producción de películas fue causa y consecuencia a la vez del crecimiento de las redes de distribución.

Para alimentar a las cadenas de cines se hizo imperativo un determinado diagrama o plan anual de producción que llegaba a docenas de títulos. De esto derivó la práctica del "Block-booking" o venta por paquetes o lotes, ideado por la Paramount de la mano de Adolph Zukor. Esta táctica consistía en que si una sala quería adquirir los derechos de las películas de una determinada estrella (Fairbanks, Valentino, Pickford) debía adquirir otros 10, 20 o 30 títulos adicionales de la misma productora. Esto ayudaba además a quitar fecha y lugares de exhibición para los títulos de la competencia. De hecho cada sala o cadena debía adjudicar de antemano las 52 semanas del año, por ejemplo 20 para Fox, 10 a Paramount, 15 a Warner, y sabiendo que a pocos metros de su sala estaría la competidora con las exclusividades de Universal o MGM, ¿qué lugar queda entonces para las películas independientes? ninguno.

En los mercados extranjeros se produjo tal penetración del cine de Hollywood que dicha controversia llega hasta nuestros días. Las salas no pueden prescindir de esos acuerdos globales para las superproducciones, seguramente no podrían subsistir, pero por otro lado los productores locales no cuentan con suficiente espacio para sus propios títulos o quedan relegados para fechas o lugares inadecuados. Esto produce una crisis casi idéntica en países productores de cine tales: como Francia, Italia, España, Alemania, Gran Bretaña, México, Argentina o Brasil. Por otro lado mercados que no tienen producción propia como gran parte de Asia, África o Centroamérica, son absorbidos totalmente por el cine norteamericano. Como consecuencia el público de estos países ignora producciones de cine francés o italiano por ejemplo. Algunos países productores idearon tácticas proteccionistas pero de escaso resultado. El poderoso capital norteamericano puede ser dueño de salas en el exterior o infiltrarse en producciones de cada país por lo que termina beneficiándose con esas mismas medidas de proteccionismo local.

El block-booking continúa hasta nuestro días y se ha expandido al mundo del video y la televisión, a menudo regido desde los mismos centros comerciales de Nueva York y Wall Street, doblando la totalidad de sus títulos en España, México o Puerto Rico para insertarlos luego en el mercado de habla hispana tomándolo como ejemplo. Es decir, ciertas prácticas del cine norteamericano de la época muda se mantienen perdurables hasta nuestros días.

Basado en el libro: Historia del cine americano /1 "Desde la creación al primer sonido (1893/1930)" de Homero Alsina Thevenet. Editorial Laertes

El "Star system"

El star system hollywoodense nació en los años 10 a raíz del conflicto entre la MPPC y los independientes, quienes para promocionar sus films aprovecharon el interés del público en determinados actores o actrices, mientras que las compañías del trust evitaban hacer famosos los nombres de sus protagonistas para evitar eventuales peticiones de aumento salarial.

El star system alcanza su esplendor entre los años 20 y 30 con la llegada del cine sonoro. Casi todas las estrellas del período desde Fatty Arbuckle a Gloria Swanson, Harold Lloyd o Pola Negri, Norma Talmadge intentarán su incursión en el medio independiente, de hecho en 1919 deciden la creación de la United Artist, productora y distribuidora propiedad de los actores, por otra parte para luchar contra el divismo de las estrellas, los productores crearán los productos All-star, que no utilizan actores de renonbre y que promocionaban utilizando el prestigio del director y el interés de la trama. Sin embargo la llegada del cine sonoro provocó el retiro de los principales divos del cine mudo e introdujo la llegada de toda una nueva generación de actores procedentes del teatro, que terminarían volcando el poder nuevamente hacia las manos de los productores. Surgen figuras femeninas que aprovechan su belleza física para atraer a la audiencia, acróbatas en motocicleta, magos, campeones deportivos o atletas, que son seducidos para la realización de producciones. Tal es el caso de Charles Hutchinson, Jack Dempsey, Harry Houdini, Eddie Polo etc.

Además del western y el serial tenemos las llamadas comedias de tartas de crema. Vemos la aparición de estrellas que repiten diferentes roles en distintas películas como Búster Keaton, Harold Lloyd o Harry Langdon. Las estrellas debían poseer determinadas cualidades físicas y morales para provocar el proceso de idealización que el divismo requiere. No podía haber héroes feos, tímidos, habladores o ridículos, ellos son lo contrario a los héroes. También estaban los divos cómicos como Charles Chaplin cuyas apariciones en público atraían a multitudes. El divo no podía estar asociado al escándalo, en ese caso su carrera llegaba a su fin. Tal es el caso de Roscoe Fatty Arbuckle, que en 1921 ve frustrada presencia en el star system cuando es acusado de haber violado y asesinado a una estarlet (chica aspirante a estrella) durante una noche de orgía. Pese a su plena absolución es obligado a abandonar la escena, su imagen será inmediatamente asociada a un horrible delito.

Greta Garbo se transforma en la única estrella importada de Europa, nacida en Suecia es descubierta por el realizador Maurice Stiller, su larga carrera llega incluso a sobrepasar su máximo esplendor tras la llegada del cine sonoro. Luego llegarían las "flappers, chicas emancipadas de la norteamérica post-bélica, representantes de la nueva generación del jazz y el prohibicionismo que rechazan los viejos modelos de inocencia virginal. Clara Bow es la flapper más célebre del cine pero Colleen Moore es la diva que introdujo este nuevo modelo femenino. Por último no se puede dejar de mencionar a Marlene Dietrich desde 1930 en adelante, explotando su figura de femme fatale.

Por su parte la evolución del divismo masculino con la llegada del cine sonoro puede describirse como el paso de los héroes de acción y aventura, baluartes de los valores nacionales y modelo de identificación y proyección para los hombres, a los héroes de la pasión y el erotismo, objeto de deseo del público femenino, los latin lovers con Rodolfo Valentino o Douglas Fairbanks a la cabeza. Esto marca un importante cambio en el discurso hollywoodense sobre femineidad y sexualidad, con corresponde con una transformación de los valores culturales y sociales, el hombre comienza a desempeñar un rol de objeto erótico para el público femenino.

El auge del director

Cuando los productores comienzan a ver con buenos ojos cualquier elemento que sea garantía de éxito de taquilla, crece la figura del director, el hombre detrás de la cámara. En 1916 con el estreno de "Intolerancia" surge la figura de David W. Griffith, quien se transforma el personaje célebre a la altura de las estrellas de la actuación. Su nombre tiene tal impacto sobre el público que permite ser utilizado para promocionar un film. También podemos agregar en esa categoría a Cecil. B. DeMille, cuyo mérito es realizar películas que responden al gusto del grueso del público.

El caso más emblemático de Hollywood es sin duda alguna Erich Von Stroheim, nacido en Austria había realizado su aprendizaje como director junto a Griffith como actor y como ayudante de dirección. Este supuesto ex militar prusiano, muestra en sus películas interés por lo extremado (traiciones conyugales, aspectos brutales u oscuros) con los cuales el grueso del público no estaba acostumbrado, que se familiarizaba más con los relatos inocentes de DeMille. La figura de Stroheim se volvió memorable por sus enfrentamientos con los divos de la época como Gloria Swanson o John Gilbert. Siempre hacía público su disgusto por los altos contratos de las estrellas más si significaban restricciones en el presupuesto para el realizador, una de sus obras más célebres es "Greed" cuyos fragmentos suprimidos aún siguen siendo buscados por el mundo entero.

King Vidor decía que el cine lleva un mensaje a la humanidad y se comprometía a no mostrar nunca lo malo o lo erróneo, no obstante a pesar de semejante declaración de principios tuvo que ceder ante la presión del sistema hollywoodense. Vidor era un director paciente y reflexivo, nunca perdía la calma en el set, sin embargo poseía un carácter firme y perseguía obstinadamente sus objetivos. Es uno de los realizadotes más respetados y admirados de Hollywood, Vidor logró sobrevivir a la revolución del sonoro y prolongó su carrera hasta los umbrales de los años 60, al igual que Lubitsch, Sternberg, Borzage, Wellman o Raoul Walsh pertenece a la categoría de los directores destinados a pasar incólumes por la prueba del cine sonoro y ver acrecentada su popularidad en los años 30.

FUENTE: http://ecine.blogcindario.com/2008/08/00046-historia-de-hollywood.html

Fuente: HISTORIA DE HOLLYWOOD.